Disculpen la autocita pero resulta necesaria para justificar que «Red de Mentiras» sea, en mi opinión, un film solvente, bueno, convincente. La diferencia reside en que, teniendo el cine de Scott como tiene tanto gusto por la imagen, se nota el interés de guionista y director de explicar una historia.

Scott no se pone por delante de la cámara para hacerse ver sino que se sitúa detrás, donde debe estar, para narrarnos esta historia de las cloacas actuales de nuestra sociedad. Ello no le impide marcarnos su autoría a través de una puesta en escena vibrante, intensa, creíble y elaborada. El film garantiza así, al unir convicción narrativa con algo que transmitir, buenos y brillantes destellos de gran cine.

Por ello, «Red de Mentiras» es un film interesante, de una actualidad que cautiva tu atención, que reflexiona sobre varios aspectos del estado de terror del mundo contemporáneo y que establece una visión bastante imparcial sobre los enramajes, desolaciones, muertes gratuitas y conexiones de estos quasi «funcionarios del terrorismo» que protagonizan la realidad del espionaje actual y que tan bien interpretan Leonardo Di Caprio y sobretodo Russell Crowe.

El guión de William Monahan es compacto y documentado, no tan complejo como el de «Syriana» en su seguimiento desde la platea, y funciona prácticamente a la perfección, sobretodo en la definición de sus dos personajes centrales, Crowe y Di Caprio, quienes empatizan claramente con el espectador y se muestran llenos de aristas. En ese sentido, son magníficas las escenas familiares de Crowe, que trabaja mientras hace mear a su hijo, y que manifiestan claramente ese funcionariado descreído en el que se están convirtiendo los agentes de la CIA ante un conflicto que el film considera inacabable e irresoluble con buen criterio.

El hombre sobre el terreno y el hombre sobre el sofá ante algo tan trascendental y grave ofrecen muchos matices sobre cómo las administraciones políticas gestionan el conflicto terrorista y como la mentira, las coacciones y la transmisión interesada de información entre países están a la orden del dia. El resultado es el puro caos en medio de no se sabe qué.

No se puede negar, gracias a la letra de Monahan y la imagen de Scott, que el film adquiera cierta profundidad en el tema con algunos pasajes especialmente inspirados.

Pese a ello, no esperen de «Red de Mentiras» un tratado sobre terrorismo actual especialmente denso o comprometido, sino un espectáculo visual con dosis de reflexión, algunas estupendas, que no se disipan demasiado pese a su conclusión concesiva a los ojos americanos, en una argucia de guión (amor-trampa-salvación-malo) que hemos visto demasiadas veces y que viran la obra hacia la comercialidad.

Pese a ello, un buen film, repleto de fuerza y de interés por lo que explica.

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Como en muchas franquicias en los últimos tiempos, James Bond sería un claro ejemplo, los nuevos creadores se dirigen al orígen de las sagas para reinventarlas, darles nuevos aires y actualizarlas a nuestros días.

En cuanto a «Star Trek» parece la solución más inteligente porque con el nuevo film se llega a la secuela número 11. Era necesario, pues, abrir una nueva vía y volver al inicio para ver la juventud de los tripulantes de la Enterprise y como todo empieza de nuevo.

Abrams ha elegido caras poco conocidas y jóvenes como Chris Pine y Zachary Quinto para interpretar al Capitán Kirk y a Spock, y rostros populares como Eric Bana y Winona Ryder para los roles de Nero y Amanda Grayson.

Siempre despierta interés ver los orígenes de personajes míticos y Abrams lo sabe. Siempre nos apetece ver rejuvenecidos a nuestros héroes y ver como se convierten precisamente en eso.

Por cierto, Leonard Nimoy hace un papel como viejo Spock.

El tráiler promete muchísimo ya que es visualmente deslumbrante y parece garantizarnos grandes efectos visuales, buena acción y ese componente nostálgico de oír a un ser mítico decir su nombre cuando es pequeño.

El estreno está previsto para el 8 de mayo de 2009. Y ahora, el tráiler:

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«El Caballero Oscuro» de Christopher Nolan no podrá participar en el Oscar a la mejor música original, al considerarse que los autores, James Newton Howard y Hans Zimmer, no son los creadores del 70% de la partitura, requisito básico para acceder a las nominaciones.

Tres músicos más han compuesto un 40% del score, lo que impide a Howard y Zimmer entrar en la quiniela de los premios.

En España, pasó algo parecido con algunas partituras de películas de José Luis Garci. Concretamente, «El Abuelo» fue rechazada pese a tener una bella partitura original. Las malas lenguas dicen que pasaron demasiadas cosas raras con el trabajo del gallego, ya desaparecido, Manuel Balboa, un excelente músico que merecía el Goya.

Zimmer ya lleva muchos años colaborando con otros músicos menores, de su propia factoria, para acabar sus partituras, lo que se le ha reprochado, y con cierta justicia, en algunas ocasiones. No es el caso habitual de Newton Howard, cuya trayectoria es inmaculada y su nivel de calidad más elevado aunque, a veces, haya necesitado una mano.

Y es una pena porque la música del film, a parte de lo inhabitual que es ver a dos primeras espadas componiendo a cuatro manos (ya lo hicieron en la primera entrega), se aleja de la típica partitura épica y combina oscuridad y modernidad consiguiendo una sonoridad bastante original y adecuada a las imágenes.

Y más si se tiene en cuenta que James Newton Howard, siendo uno de los mejores compositores actuales, aún no ha conseguido ningún Oscar pese a sus múltiples nominaciones. Zimmer sí lo ganó con «El Rey León».

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En una edición completísima, que años atrás ya se editara en Estados Unidos y que, para deleite de los sentidos cinéfilos, ya está en versión castellana.

«Pesadilla antes de Navidad» es una obra maestra de la animación, de la originalidad y de la creación de personajes perdurables, permanentes en nuestro rincón emotivo del séptimo arte. Un musical divertidísimo, apasionante, centrado en Jack, el Rey de las Calabazas, que vive una crisis existencial cansado de asustar a los demás y que queda prendado por la Navidad.

Rodada con la técnica de «stop-motion» que consiste en mover los muñequitos manualmente y capturarlos fotográficamente, la película no puede ser más absolutamente sobresaliente. Una historia de amor, de humor y de emoción irrepetible.

Hasta ahora sólo se había editado en un formato muy sencillo y con el inconveniente de no tener subtítulos en castellano, lo que te obligaba a escuchar las canciones o bien en castellano o en inglés sin subtitulación. Pero, al fin, se le ha hecho justicia.

El dvd de este clásico de Tim Burton, dirigido por Henry Selick, no puede ser más completo: nuevos comentarios en audio (subtitulado), las dos primeras películas de Tim Burton (subtitulado): Frankenweenie (aprox. 2', versión íntegra, subtitulado). Vincent : Cortometraje, Escenas eliminadas (subtitulado), Los mundos de Tim Burton en Pesadilla antes de Navidad, Ciudad de la Navidad, la comparación entre los guiones gráficos (storyboards) y la película (subtitulado), Posters y trailes originales de la película emitidos en cines antes de su estreno en 1993.

Y algunas sorpresas más.

Una maravillosa película, explicada a través las canciones inspiradísimas de Danny Elfman, que marcó un antes y después en la animación, que se convirtió en film de culto y que, si me lo permiten, tiene un lugar muy cálido en mis mejores recuerdos cinematográficos.

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Lo que es cierto es que un par de proyectos llaman poderosamente la atención tras ser anunciados.

Por una parte, parece ser que Brad Pitt, que rueda ahora con Tarantino «Inglorious Bastards», será el mismísimo Ulises u Odiseo en una versión de «La Odisea» de Homero para el cine.

Lo más grande no es que se atrevan a meterse en la Grecia de Homero, ya lo hicieron con «Troya», sino que la película está ambientada en el futuro, en el espacio. O sea, ¿Ulises matará a los pretendientes de Penélope con espada láser?. El director de este proyecto loco es George Miller, el creador de «Mad Max».

Por otra parte, no puede resultar demasiado sorprendente que Antonio Banderas haya sido escogido para interpretar a Salvador Dalí, por conexiones lógicas territoriales. Lo increíble es que el director elegido para narrar la experiencia del pintor ampurdanés en Nueva York sea ¡¡¡¡¡Simon West!!!!!, el director de «Lara Croft: Tomb Raider».

Se supone que este director debe ser el indicado para un film que pretenda ser un pelín serio o veremos a Dalí pintando cuadros con un plano diferente cada dos segundos.

En definitiva, dos proyectos curiosos, Pitt de Ulises (algunas y algunos ya se lo estarán imaginando con faldita aunque en el espacio no sé si se llevaran) y Banderas de Dalí a 1.500 por hora.

En todo caso, no me meto mucho porque a veces estas locuras tienen hasta buenos resultados.

Vivir para creer.

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La conjunción de historia, dramatismo y reparación de una injusticia ha propiciado a muchos escritores y directores el espacio idoneo para hablarnos de los límites tanto de la maldad más inmoral como del espíritu humano de supervivencia ante el horror.

No haremos, aquí, una compilación de películas sobre el holocausto ni tampoco utilizaremos como arma arrojadiza hacia el film de Herman el cierto cansancio que la repetición de esta temática pueda pesar actualmente sobre el espectador. Porque, aún tratando el mismo tema, la novela de John Boyne lo encaraba desde otra perspectiva: la visión de dos niños, situados a lado y lado de la denigrante verja del racismo más ofensivo que Europa recuerda, que descubren, desde su puerilidad, la terrible verdad.

Como Roberto Benigni  en «La Vida es Bella», quién transformaba la tragedia en clave infantil para apartar los ojos de su hijo de la barbarie, Boyne explica la «convivencia» de un niño alemán hijo de un general copartícipe de esos crímenes con un pequeño judio que se esconde tras la alambrada de la infamia.

Esa inocencia ante la ignominia que manifiesta la novela provocó, lógicamente, la conexión del lector con sus personajes y su consecuente reacción emotiva ante los hechos explicados, cuyo despertar para el espectador es paralelo al  proceso de «conocimiento» del niño.

Esa conexión emocional es lo que Mark Herman se ha dejado en el tintero a la hora de adaptar la novela. Este buen material escrito se queda en eso, pues la verdad de la novela sólo sigue allí.

El film no puede ser más encarcarado, moroso y desabrido. ¿Cómo se puede explicar esta terrible historia con tan poca pasión, con tan poca entrega?

Parece narrar sin implicarse, sin tensión ni emoción y eso se nota. Muchísimo. Porque la película pasa sin pena ni gloria, sin conmover ni electrizar un solo pelo del cuerpo. Toda una proeza de sosería, de falta de viveza, para tener entre las manos la novela que tenía.

Sí, efectivamente, el film puede resultar correcto, mediano, pero siempre y cuando nos tapemos los ojos con las manos y no nos paremos a reflexionar sobre lo que tenía la oportunidad de hacer. No se puede ser tan correctísimo, tan limpio cuando la historia te pide que te manches el alma.

Ni la madre sufridora, ni el pobre judio esclavizado y enfermo, ni el propio Bruno, interpretado Asa Butterfield, un niño de un azul magnético en los ojos y que deviene lo mejor de la función, consiguen levantar el vuelo de un film estático, insaboro, tan académico como falto de pulso y nervio. Tan falto de dolor.

¿Cómo podemos catalogar un film para que una escena como la que concluye la historia pase por tu cuerpo sin humedecerte el corazón?

Quizá como una oportunidad tristemente perdida.

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«Biutiful» es el título de la cinta que se centra en los esfuerzos de Uxbal, personaje a quién dará vida Javier Bardem, para recuperar su equilibrio emocional.

De todos es conocida la polémica por la autoría de sus obras anteriores que mantuvieron el director y  el guionista Guillermo Arriaga, quién se consideraba coautor de los films, lo que derivó en la separación de uno de los binomios director-guionista más importantes del cine actual.

Ahora en solitario, Iñárritu rodará esta película en Barcelona en castellano y con financiación mejicana y española. 

El director, pese a la ausencia de su guionista, estará bien acompañado de sus colaboradores habituales Rodrigo Prieto (fotografía), Gustavo Santaolalla (música) y Stephen Mirrione (montaje).

Seguro que será otra buen película.

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Esos seres extraños, que no saben medir las consecuencias de sus tontas decisiones, son acogidos en los brazos de los Coen con la ternura de los creadores que ven, en sus criaturas, un destino irremediablemente fatal. 

Tras la aridez emocional de la magistral «No es País para Viejos», los Coen parecían necesitar un soplo de aire fresco con esta aparente comedia,  tan sólo aparente, seria como siempre en su puesta en escena y grave en la música (compuesta por el habitual Carter Burwell y que guarda similitudes con la solemnidad de «Fargo»), transitada por una coralidad de personajes que demuestran que el ser humano, por poco que se lo proponga, puede ser un auténtico lerdo.

Auténtica apología de la idiotez humana, «Quemar después de leer» es un nuevo ejercicio estético y propositivo de los Coen, desordenado en su planteamiento y desarrollo y finalmente completado en una escena en el que el sinsentido conclusivo da coherencia a todo lo anterior.

En definitiva, los Coen consiguen cerrar con redondez la historia con la única conclusión de que todo no tiene ningún sentido. Sencillamente, genial. La conversación entre los altos mandos de la inteligencia americana tratando de explicarse lo que está pasando es, sin duda, uno de los mejores momentos cómicos de los últimos tiempos.

Este atrevimiento, logrado con creces, vuelve a traslucir otra de las esencias de su cine: este mundo nuestro está habitado por altos índices de estupidez humana.

Thriller de equívocos y seguimientos cruzados y neuróticos, personajes ignorantes que pasean su arrogancia, seres humildes que se atreven a hacer barbaridades, muertes sorprendentes y desbarajuste final, «Quemar después de leer» tiene el encanto de su propuesta suicida, buenas escenas y momentos de brillantez reluciente en las manos de Clooney o McDormand. Y una nada desdeñable imagen de la soledad amorosa que sufren los hombres y mujeres de la sociedad actual.

Pese a ser la mejor de las comedias, tildadas de menores por la maestría de sus títulos dramáticos, de los últimos años, «Quemar después de leer», siendo un buen film, sufre acusados altibajos rítmicos y algunos pasajes se muestran anodinos y únicamente complementarios a las escenas en las que los Coen quieren impactar.

Es de esas propuestas kamikaces de los Coen, tan admirables y bien resueltas como, en varios tramos de la narración, faltas de chispa.

Aunque ingenio, mala leche e ironía no le falte.

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Estos señores no habrán visto la publicidad, no sólo de cine, que se hace en España, y en el resto del mundo, desde los años 50 del siglo pasado porque el reclamo sexual es, sin duda, algo habitual en la promoción de perfumes, calzoncillos e incluso del menaje del hogar.

Si una película habla de una ninfómana, lo lógico es que el cartel provoque con aquello de lo que habla la historia. Además, cuando lo ves no es ni mucho menos para tanto. E incomprensible que sea retirado o prohibido. Una censura que habla de esa España cerrada y primitiva que parecía enterrada.

Dentro de nuestra libertad, nosotros les enseñamos el cartel que, por otra parte, ha hecho muy popular a la película.

El director Christian Molina no entiende lo que ha sucedido como prácticamente nadie, dada la incomprensible y antigua decisión del organismo de gestión del transporte madrileño, que parece anclado en su particular mundo rancio y anacrónico.

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El director vuelve a ser Ron Howard y Tom Hanks vuelve a encarnar a Robert Langdon, el simbolista que deberá investigar una trama que apunta hacia un atentado al Vaticano. 

La novela fue recuperada masivamente por los lectores gracias al éxito de «El Código Da Vinci» cuya adaptación nos ofreció un buen film de misterio aunque no estuviera en las manos del  director más adecuado para esta historia. 

El reparto de «Ángeles y Demonios» lo completan Ewan McGregor, Ayelet Zurer y Stellan Skargard.

El equipo técnico también repite: el guión para el habitual del director Akiva Goldsman, la fotografía para Salvatore Totino y la música para Hans Zimmer. Tanto el director de fotografía como el músico hicieron un excelente trabajo en el anterior film.

La película se estrena en mayo del año que viene y el primer poster es un tanto insulso pero trasmite cierta inquietud.

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