Apasionado y megalómano como pocos, Kenneth Brannagh va ligado íntimamente a la figura de William Shakespeare. El británico ha sido el heredero natural de Lawrence Olivier en la traslación al cine de las magnas obras de tan excelso dramaturgo.

«Enrique V», «Mucho ruido y pocas nueces», «Trabajos de Amor Perdidos», «En lo más crudo del crudo invierno» o la monumental y maravillosa «Hamlet» son títulos en los que Brannagh ha vertido toda su incontenible tendencia al exceso, a la exageración casi barroca, algo que sólo se destila desde un apasionamiento desmesurado, tan bestial como encantador.

Adoro a Brannagh y me encandila su egolatría autoral, su falta de pudor para resultar grandilocuente, su hermosa y fiel forma de trasladar en imágenes el fulgor de las letras, tan irrefrenables como su cine, de Shakespeare.

Que en Hollywood le encargaran «Thor», la adaptación de otro cómic de la Marvel, tenía tanto de tino del productor en proporcionar una historia claramente épica de reinos y tradiciones a un director acostumbrado a la escena shakesperiana como de temeridad ya que Brannagh no acostumbra a señalar sus propios límites en la explicación hiperbólica de sus historias.

Sea como fuere, el acierto es evidente al comprobar la buena ración de elegante barroquismo que incluye este frenético y exageradísimo film que tiene, precisamente, en todo su exceso su virtud.

El «Thor» de Brannagh es una espectacular película de superhéroes que consigue tapar, con su frenética dirección, su cuidada y seria escenografía y sus aciertos actorales, el hecho que este personaje tenga menos que ofrecer que otros. Al fin y al cabo, no es más que un hombre destronado que tiene poderes cuando tiene un martillo mágico a su lado.

Lo cierto es que la película se disfruta sobradamente, es un producto comercial de gran factura que está impregnado de ese aire de trascendencia y drama que tanto gusta al director de «Frankenstein», otro monumento al desenfreno épico-narrativo.

En definitiva, Brannagh consigue que el film se pase en un suspiro y que tenga encanto y gracia en su desmesura. Potente.

Del resto de estas semanas, destacar la sobria y eficaz historia que Duncan Jones nos explica en «Código Fuente», un film sin grandes pretensiones pero que ofrece un entretenimiento firme, así como la vuelta de Wes Craven a la saga de «Scream».

Para los iniciados y amantes del género, la película merece la pena ya que los juegos metalingüísticos habituales en esta saga se multiplican en un nuevo laberinto de referencias cinéfilas. Lo mejor, que se ría de la tendencia del cine americano actual a rehacer clásicos, empezando de nuevo desde el principio (Viernes 13, Pesadilla en Elm Street...) lo que los americanos llaman reboot. Y lo hace siendo al mismo tiempo la cuarta parte y el reboot de la historia de la primera. Gracioso.

Por último, y como todo no puede ser positivo, comentar que «Invasión a la tierra» es una vergüenza de película. Ahí lo dejo.

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De la Iglesia hace una descripción, en clave vómito, de la historia reciente de España

Siempre he sentido una especial fascinación, irracional supongo como la mayoría de estos arrebatos, por «Balada Triste de Trompeta», esa extrañísima canción de Raphael que empieza con meliflua melodía, que es arrebatadoramente taciturna y que deriva en una histérica y surrealista sucesión de gritos tan propios de la personalidad guiñolesca del cantante.

Alex de la Iglesia ha realizado una película exactamente igual. Si la base ha sido la canción, el film es idéntico. Empieza con desolación, prosigue con un tono indisimulado de tristeza y deriva hacia un crescendo histérico, irracional, desbordante e incansable en su brutalidad.

No es un film corriente, sino un ejercicio de pirado kamikaze, que nos sitúa en los límites de su propia naturaleza y de la nuestra, extraño, bizarro, pretendidamente repugnante, tan extremista como inaprensible. En definitiva, nos pega una paliza que nos sitúa en un nuevo territorio en el que no sabemos lo que estamos viendo, en el que vagamos desorientados en medio de golpes a nuestro estómago, exabruptos a nuestra forma habitual de ver cine y porrazos a nuestra propia sensibilidad. En eso, triunfa.

«Balada Triste de Trompeta» no se parece a nada ni quiere, camina directamente hacia su propio abismo y autodestrucción (no se preocupa que el espectador se salga de ella ya que no le importa) sin solemnidad y con determinación, es el film que quiere y no se detiene ante ningún formalismo ni estético ni ético. Es una película libre ejecutada por un creador asombrosamente seguro de hacer lo que hace. Tiene huevos el amigo De la Iglesia. Muchos.

En este delirio, entre estomagantes viajes a la más absoluta degradación, podemos vislumbrar un deseo de transmitir esa España absurda, desequilibrada y cateta, que sigue con las venas abiertas en su desolación y en su enfrentamiento. Ya lo dice un personaje, «no es su culpa, es que España es así». En eso, también gana. En esta especie de visión, vía vómito, de este país tan curioso que habitamos y que nunca deja de sorprendernos.

Mucho se podrá discutir de este film, a ratos brillantísimo, a ratos de un feísmo un tanto impostado, pero lo que está fuera de toda duda es que es una experiencia para el espectador, poseedor de secuencias imborrables y tremebundas (la transformación final del payaso tonto), geniales (la secuencia de la caza de Franco) o casi oníricas (la cueva), tantas reseñables como otras espantables.

Más allá de la extraordinaria labor narrativa de De la Iglesia, que bien dirige este hombre, y de las alucinantes interpretaciones de Antonio de la Torre y Carlos Areces, el film te pega su negrura en el alma y su miedo en tus huesos, te hace traspirar inquietud y dolor, te revuelve las tripas y te hace sentir indefenso.

Con tantas entradas para devenir film de culto como para ser denostado sin grandes esfuerzos, si al cine hay que pedirle riesgo es lo mejor que he visto en años. Si hay que pedirle otras cosas, es harina de otro costal porque, la verdad, es un film sobre el que es tan difícil expresarse como indescifrable es catalogar todo lo que te ha hecho sentir durante su torrencial metraje: desesperación, alucinación, gratuidad, efectismo, asombro, admiración, extrañeza, incomprensión, asquerosidad y, eso sí y esto va a misa, mal cuerpo, mucho mal cuerpo.

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Yates ha mejorado una saga infantil hasta hacerla robusta y equilibrada

Los primeros pasos fílmicos de Harry Potter vinieron de la mano de Chris Columbus, poco estimulante director de comedias americanas al uso y contador desapasionado de las dos entregas iniciales (La Piedra Filosofal y La Cámara Secreta). Alfonso Cuarón, en la tercera película (El Prisionero de Azkaban), ofreció un destello de lo que podría ser la saga en un futuro: mucho más tenebrosa, más arriesgada, con ínfulas artísticas, no sólo comerciales.

Tras el tropiezo de Mike Newell en «El Cáliz de Fuego», la peor de toda la leyenda potteriana, David Yates, un desconocido director británico, se hizo cargo de la franquicia ante el escepticismo general.

Un desasosiego que parecía justificarse en la primera, y desordenada, hora de «La Orden del Fénix» pero que se disipaba en una segunda parte vitamínica, malsana, con interesantes aciertos en la deriva apocalíptica de la historia y con una factura visual bastante estimulante.

«El Misterio del Príncipe», la peor tratada e injustamente por la crítica, era un ejercicio cinematográfico brillante, atrevido incluso, capaz de combinar la acción con parones curiosos que se centraban, con toques de humor, en los problemas hormonales de los adolescentes protagonistas. Esta sexta entrega se definía como un título clave en la transmutación final del devenir de la historia, desde la infancia hasta la adultez.

Y llegó el equilibrio. «Las Reliquias de la Muerte. Parte I» ya es un film plenamente adulto, equilibrado y fuerte. La calidad visual es todavía superior al contar con buenos técnicos como Eduardo Serra en la fotografía o Alexandre Desplat en la música y al encontrar en David Yates un maestro de ceremonias más acertado, más trepidante, más contundente.

«Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte» transmite la desesperación del final de ciclo, la angustia que desprende lo maligno y el errante destino (a lo Señor de los Anillos) de unos jóvenes perdidos en un mundo que se les ha ido de las manos.

El film contiene una apasionante ración de acción, correctos descansos y una puesta en escena más elaborada, con especial inspiración en la plasmación de lo negativo, de lo enfermizo (las apariciones de Ralph Fiennes son eléctricas). Incluso, posee ciertos deseos artísticos en el planteamiento de esos espacios muertos entre los giros de la narración.

«Harry Potter 7» es un film adulto, seguro de sí mismo, sugerente aunque pueda bandearse en su escala rítmica.

Un buen prólogo para lo que promete ser un final espectacular.

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Después de un lapso de tiempo sin vernos en esta querida página, volvemos con más madera. Para empezar, la crítica del nuevo trabajo del genial David Fincher

Una competición de regatas, donde prima la velocidad, rodada en cámara lenta, con música clásica reelaborada desde la modernidad, planos vertiginosos en sus perspectivas, primerísimos angustiosos, exhibición rítmica, talento visual mayúsculo, cine grande.

Esta escena, que me retrae el aroma del Kubrick inalcanzable, es tan soberanamente buena que sólo puede haber sido creada por un maestro del cine. David Fincher lo es y su filmografía así lo demuestra. Su innegable creatividad y su lucidez narrativa no tienen demasiados rivales en el arte cinematográfico actual. Como rotundas maestrías esconden «Seven» o «El Club de la Lucha» o «Zodiac».

Pero, además, Fincher tiene el don de resultar generacional casi siempre. Se sitúe en la época que se sitúa su cine, su labor tiene ese rumor a título definitivo sobre algo, a conseguir dividir con su atrevimiento lo anterior y lo que vendrá, a resultar no sólo convincente sino necesario para explicar el cine de su tiempo.

Si a esa capacidad de traspasar y clavar picas en su realidad, se añade un relato tan claramente generacional como el creado con inusitada belleza dialogada por Aaron Sorkin en «La Red Social», no podemos más que encontrarnos con un sorprendente clásico moderno.

Supongo que muchos reaccionaron cómo yo lo hice cuando me enteré que estaba metido Fincher en el mundo de Facebook y de Mark Zuckerberg. Incrédulo. Pobre de mí, el director sabía que «La Red Social» sería al mundo individualizado y aislado de hoy,  lo que «El Club de la Lucha» fue al mundo desorientado, convulsivo y agresivo de hace unos años.

«La Red Social» es, además, un retrato inmisericorde de un mundo competitivo y sangrante, donde las lealtades están acabadas y donde el dinero y el egoísmo recorren todo aquello que resulta exitoso.

La pugna por el dinero generado por Facebook de Zuckerberg y compañía es una parábola definitiva del deshonesto mundo del éxito que preside nuestro planeta, dónde el nadie conoce a nadie nos deja en una indefensión que los grandes poderes aprovechan.

Por si fuera poco, y mientras disfrutamos de lo agradable que es oír diálogos inteligentes y demostraciones palmarias de una narración fílmica de primer orden, el film nos ofrece un retrato complejo, ni condescendiente ni complaciente, de un tipo odioso ante el desamor, un genio imperturbable y, en el fondo, un egocéntrico brillante acomplejado por no ser el chico de las carreras de remos.

La soledad, en el fondo, de un mundo tecnológico que creemos que nos une a través de redes de amigos cuando, quizá, nos separe. Un mundo en el que dedicamos más tiempo a actualizar y actualizar una página en nuestra soledad que en salir a la calle a tomar un café o el aire fresco.

«La Red Social» es un film asombroso, no sólo por su calidad y su adherencia a su tiempo, sino por ser uno de los pocos que han abofeteado a la sociedad actual dejando en evidencia su soledad.

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Pero, como he dicho, vayamos por partes.

Nivel Escrito:
Resulta innegable que «Origen» es un film brillante, fascinado y laberíntico, que te pega a la butaca y te obliga a estar atentísimo a todo cuanto sucede. A nivel escrito, la película es originalísima, no sólo en los niveles y subniveles que plantea sino en la concepción casi matemática de los sueños, de los que toma como base las leyes de Freud de proyección del yo pero, al mismo tiempo, realizando casi una cartografía de ellos más cercana a la técnica científica y no de los reflejos emotivos.

Los diversos giros y la gradación de la información de cara al espectador es perfecta, te da lo suficiente para no perderte y te interroga sobre lo demás para que sigas indagando y ansiando controlar el resto de lo que te quiere explicar.

A nivel guionístico, la conjunción de cine de atracos, de acción, con profundad psicológica e historia de amor está, como siempre en el creador, perfectamente hilvanados y el conjunto es francamente admirable.

Toda una arquitectura narrativa digna de encomio, con ideas geniales como el propio limbo, la culpabilidad ante la inculcación de un concepto que precipita la tragedia personal....

Nivel Visual:
«Origen» no puede ser más compleja a nivel visual. Es un trabajo no solo laborioso sino propio de un personaje superdotado para la narración.

No se conforma con una línea narrativa, sino que Nolan es capaz de manejar cuatro o cinco estadios explicativos sin problemas aparentes, resultando brillante en todos.

Que cada nivel de sueño tenga una temporalidad distinta es un concepto que a nivel de planificación visual está tratado con absoluta maestría: la cámara lenta del nivel más rápido, el tiempo flotante en el segundo, la rapidez del tercero y la especie de congelación etérea del limbo final.

En definitiva, Christopher Nolan ofrece una nueva lección de lenguaje cinematográfico en un film que aúna espectáculo y profundidad, taquilla y autor.

Nivel Emocional
Por mucho que nos empeñemos en soslayar el apartado emotivo ante el torrente fílmico que nos ofrece Nolan, creo honesto considerar que la película no consigue engancharse a la vena sensible del espectador.

En definitiva, y siendo mucho más claro, la desesperación del personaje de Di Caprio no llega a la platea y no lo hace no por el actor, que está moderado y acertado, sino por la propia obstinación de Nolan por la frialdad expositiva de la que hace gala, refinada sí pero gélida.

Además, siendo tanto el nivel escrito como visual buenísimos, el exceso de escenas de acción y tiros pueden desnortar al espectador en su intento de sentir íntimamente la historia.

Nivel Autoral
Va a resultar paradójico lo que voy a expresar pero así lo pienso: Christopher Nolan es lo mejor y lo peor de la película.

Con ello quiero decir que todos los grandes logros de un film, en general, brillante es fruto de su maestría dirigiendo y su personalidad escribiendo el guión. Pero al mismo tiempo, Nolan transmite continuamente una sensación de estar sobreactuando a nivel autoral para resultar siempre transcendente, siempre intelectual, sin conseguir que su film descanse, nunca da aire al espectador, para epatar durante las dos horas y medias de metraje.

En definitiva, Nolan parece estar, y perdónese la expresión pero es lo forma de ser gráfico, «sacando pecho» o «marcando paquete» durante todo el film. Antes hablábamos de su habilidad para narrar a cuatro niveles sin problemas. Pues, toda esta parafernalia visual parece llevar la etiqueta de «vean queridos y esforzados espectadores, soy tan bueno que puedo con todo».

En resumen, Nolan es muy bueno, buenísimo, pero en muchos instantes parece más preocupado en eso que en su propia película que se muestra, en muchos momentos, demasiado artificial y demasiado grave, demasiado pagada de sí misma.

Conclusión
«Origen» es un film original y brillante, que fascina y que ofrece un entretenimiento inteligente aunque, en muchos tramos, huela a tour de force de un autor preocupado en parecerlo y que acumula y acumula líneas y mensajes indescifrables, algunos apasionantes y otros un tanto fanfarrones, para dejar al espectador extasiado con un espectáculo tan bien creado como, y lo siento por mis colegas, excesivamente vanidoso.

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Uno de los que pertenecían a la primera y han pasado a la segunda categoria es M. Night Shyamalan, quien sorprendió a todos con «El Sexto Sentido», hábil ejercicio de suspense aliñado con sorprendente giro final (giro que inició casi un subgénero que duró bastantes películas), y que hoy es el blanco perfecto de aquellos que no quieren esforzarse mucho o de los que disfrutan con la lapidación sistemática de un creador.

Lo que me disgusta soberanamente de reseñar «Airbender. El Último Guerrero» es tener que alinearme con aquellos que han hecho deporte del comentario del cine de Shyamalan. Porque el film es irremediablemente desastroso, un compendio de situaciones deshabridas y retratadas sin gracia y con momentos sonrojantes.

Pero vayamos por partes. El cine de Shyamalan es para mi como los amores no correspondidos al cien por cien, a veces es febril mi pasión y otras frías mis reacciones. Me entretuvo y gustó «El Sexto Sentido», me irritó la proclama religiosa de «Señales», me entusiasmó «El Protegido» (su mejor film), me aburrió y me pareció reaccionaria »El Bosque», me maravilló «La Joven del Agua» y me dejó medio frío y medio calentón «El incidente», tan atrevida y tan inaprehensible.

Su cine será discutible, como todos, pero merece respeto y eso creo que el «status-quo» cinematográfico se lo ha perdido al hindú. Shyamalan tiene, además, mucho talento visual y eso es innegable.

La resolución final de «El Sexto Sentido», la escena de la linterna de «Señales», la secuencia de Central Station de «El Protegido», algunos sustos de «El Bosque», las muertes en cadena del inicio de «El Incidente» o la aparación de la sirena de «La Joven del Agua» son momentos de una brillantez visual y creación de atmósferas que muchos querrían y que deberían otorgar al creador un status mucho más cómodo del que muchos mediocres y otros poco respetuosos le niegan a un tipo que, seamos claros, dirige bien aunque se equivoque.

Por ello, no comparto el gusto por atacar al director y no tanto a sus películas. Evidentemente, si vemos mi resumen crítico, tan sólo serían tres películas las que me entusiasman del autor pero me repatea la facilidad con la que hieren a un buen director de cine.

Esta reflexión no es óbice para considerar que «Airbender» sea una película desnortada y vergonzante, interpretada por jóvenes actores imberbes en la interpretación, en un film innecesario e impropio de Shyamalan. Resulta curioso que teniendo como partida la realidad, «La Joven del Agua» desprenda más pasión, más magia y más magnetismo que esta historia que parecía más adecuada desde su punto de partida.

Shyamalan crea oro cuando de la realidad cotidiana extrae aquello extraordinario, brilla cuando de la suciedad surge la belleza, cuando piensa en otro mundo para alejarse del primero. El cine de Shyamalan es hermoso cuando vemos a un superhéroe vestirse con un chubasquero o cuando una joven sirena molesta la tranquila y dormida existencia de un grupo de vecinos.

En definitiva, el hindú tiene sensibilidad desde la realidad. Desde la fantasía no consigue situar sus pies en el suelo y transita, vuela de un lado a otro sin encontrar su sitio.

«Airbender» es un film pésimo, con un niño soso que baila sevillanas en vez de realizar movimientos mágicos (disculpen la licencia) y supone el punto más bajo de la carrera de un director que parece no saber dónde ir, mareado con tanto comentario irrespetuoso, harto de intentar agradar a todos y recibir correctivos, en algunos casos exagerados, del ámbito crítico.

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David Slade mejora visualmente una saga que no hace más que reiterarse a sí misma

Reconozco haber disfrutado sobremanera viendo «Crepúsculo». Me gustó esa película teen, con aires ultrarománticos que combinaba un clasicismo recargado en la trama y una estética heredera de la MTV en lo visual.

La propuesta que hizo la primera directora, Catherine Hardwicke, mostraba esa singularidad entre lo moderno y lo tradicional y el zumo le salió francamente jugoso.

La continuación, «Luna Nueva» destrozó todos los logros del primer film a base de cumplir los deseos de las fans, hambrientas de ver el torno desnudo del lobo, los gestos existencialistas del vampiro y las miradas perdidas de la joven deseada.

Chris Weitz dirigió sin gracia ni talento alguno y el film no era más que un continuo ir y venir de frases dignas de figurar en la estantería privilegiada de las cursilerías más ñonas de la señora humanidad.

En «Luna Nueva», la saga empieza a transmutar su piel hacia un film con componentes claramente reaccionarios, pasando de ser ultraromántica a ser ultraconservadora, demodé, anticuada.

Con un final sonrojante, el film desmereció la saga al machacarnos durante dos horas con los estúpidos diálogos del quiero y no puedo del amor a tres bandas que provocaba gritos casi vaginales en la platea pero la somnolencia masiva del resto de mortales.

En definitiva, la historia no avanzada sino que daba vueltas y vueltas sobre si misma a base de los dichosos diálogos, las caritas lindas y el amor prohibido tan fatal, fatalísimo.

En «Eclipse» la historia sigue parada (no sé como la escritora de las novelas ha podido alargar tanto el mismo concepto) y no pasa aparentemente nada, salvo cuatro escenas de acción. Ella sigue deseando copular con el vampiro, que es más antiguo que una puerta y, como los Jonas Brothers, prefiere casarse primero (argggg), así como ser una vampireta más, lo que no gusta al lobete Jacob, tan mono y tan fibrado, que pone morritos de enfado cuando los ve juntos. Y ya está, todo igual bajo el sol.

Eso sí, David Slade, el nuevo director, tiene más talento que el anterior y el film es muchísimo más llevadero que el precedente. La misma primera escena está rodada con estilo y creatividad y el film es más entretenido, no resulta tan hiperbólico como el anterior. De hecho, las escenas de acción están bien narradas y estructuradas y el film airea, con buenas dosis de realización visual, los instantes más plastas de los sufridos diálogos graves que disfrutan las cuerdas vocales de los protagonistas.

De «Eclipse» destaca la dirección de David Slade, la fotografía del vasco Javier Aguirresarobe y la música del genial Howard Shore aunque no salve la función a una historia cansina y que no avanza, ñoña y un pelín retrasada, interpretada por un Robert Pattinson que sólo veo convicente en este papel, una Kristen Stewart que empiezas a provocarte pelusilla y un Taylor Lautner que, sinceramente, tendrá tableta de chocolate pero es muy, muy justito.

Que les pase lo que les tenga que pasar pero que la saga se acabe pronto.

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«Iron Man

El primer film de Jon Favreau llegó en un momento en el que las adaptaciones de super-héroes se entretenían más en la psicología del personaje que en sus aventuras. Su tono ligero, su humor y su acción dosificada refrescaron este estilo más denso que tenían el «Hulk» de Ang Lee (film que adoro especialmente) o los «X-Men» de Brian Synger.

Robert Downey Jr., con su sinvergonzonería irónica, acabó de popularizar el personaje, que rezumaba inteligencia y empatía con los espectadores.

En la segunda parte, «Iron Man 2», ese equilibrio entre acción y definición se mantiene, algo meritorio teniendo en cuenta la tendencia en Hollywood a que las segundas partes tengan más de todo.

Ciertamente, el film contiene más escenas de acción (muy bien narradas) y más efectos visuales pero no descuida a su personaje con un tono, en esta ocasión, más grave y taciturno,  al centrarse en la enfermedad que afecta a nuestro protagonista.

Un repugnante Mickey Rourke como villano y la estimulante presencia de Scarlett Johansson redondean un divertidísimo film de acción que garantiza el más puro y desacomplejado entretenimiento.

«Prince of Persia», buen estilo y malos diálogos

No se puede negar que ver a Jake Gyllenhall como Príncipe de Persia le infiere clase a esta película Disney producida por el megalómano Jerry Bruckheimer.

Como también juega a favor del resultado final la estimable modernidad y elegancia en la dirección de Mike Newell o el brillante trabajo técnico de primeras espadas como John Seale (fotografia) o Michael Khan (montaje).

La película, que bebe de «Piratas del Caribe» e «Indiana Jones», tiene una factura espléndida, cuidadísima, lo que te facilita no irritarte del todo con los previsibles (y estúpidos) diálogos que tienes que escuchar (cuando discuten chico y chica deseas la muerte de ambos) o la debilidad de una trama un tanto confusa y con resolución complaciente.

Y es que tanto muerto no era normal en la Disney. Pese a ello, el film entretiene con cierta convicción.

«Que se mueran los feos» o ¡ay que rico!

No es tan divertida como «Fuera de Carta», el anterior film de Nacho G. Velilla, pero contiene buenos momentos. «Que se mueran los feos» es una película flojita, bastante flojita, pero ante la que no puedes evitar reírte viendo cantar «Eres tú» a los tres protagonistas en el coche o con la extravagancia de algunos personajes como el memorable que interpreta Juan Diego.

Concluimos el repaso con «Noche Loca» que desaprovecha la comicidad de dos grandes como son Steve Carell y Tina Fey en un film que acaba con otra almibarada mirada hacia la familia tradicional americana. Solo el taxista gritón produce buenas risotadas.

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Por ello, que el director fuera el encargado de adaptar «Alicia en el País de las Maravillas» para la Disney no podía ser un pastel más apetecible y sustancioso.

Pero entre Burton y Carroll había muchos peldaños por subir y en alguno de ellos se ha quedado la maravilla que todos deseábamos y que no vemos en esta película que, pese a ser visualmente extraña y atrayente, flaquea por un guión muy blandito de Linda Wolverton, más preocupada por resultar lineal y seguible que por innovar y dar al encendido creador una ruta de viaje a la altura de sus extravagantes gustos.

Como hiciera Steven Spielberg con «Hook», el guión sitúa a una Alicia de 20 años que vuelve al país de las maravillas sin recordar nada. Un punto de partida interesante que, tras un prólogo alentador, cae en picado al mostrarse la guionista incapaz de atreverse o de vehicular una historia más atractiva, hasta el punto de escribir soluciones discursivas bastante chapuceras (las acciones que suceden dentro del castillo son un auténtico despropósito).

Pese a ello, la película tiene un visionado relativamente agradable si nos entretenemos en esos pequeños detalles del universo Burton: en la deformidad de la Reina Roja, en los ojos desorbitados del Sombrerero Loco, en la delicada ingenuidad de Alicia, en la liebre dislocada, en las estupendas intervenciones del gato vaporoso o en las lámparas-mono que resultan desternillantes.

Decepcionante, para que engañarnos, pero con escenas visualmente geniales.

«Recuérdame» o  Robert Pattinson no cambia la cara

Me encantó Robert Pattinson cuando vi «Crepúsculo» tanto como el film, del que me confieso admirador. Otra cosa es la segunda parte «Eclipse» que me parece infame. 

En «Recuérdame» el actor lastra una historia atractiva con la misma cara de «esta-vida-no-me-importa-un-rábano-y-la-sobrellevo-gracias-a-mi cinismo-y-lo-guapo-que-soy» durante todo el metraje.

La verdad es que la dirección tan afectada y tan lánguida tampoco beneficia al film pese a que consigue destellar retazos brillantes cuando deja los gestitos y se mete en las tripas de sus personajes. El final gustará o no pero impacta y eso es bueno.

En un abril poco provechoso, tan sólo destacar la curiosa película iraní «Nadie sabe de gatos persas» que nos muestra un cine de ese país reivindicativo, moderno y urbano. Toda una novedad.

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«Un profeta» o el nuevo thriller carcelario de autor

Jacques Audiard consigue que «Un profeta» ocupe un puesto de honor en el mejor cine carcelario. Rodada con nervio y verdad, Audiard nos muestra las entrañas del mundo de las prisiones a través de un personaje que entra por algo nimio y sale como un auténtico profesional de la delicuencia.

El film es asombrosamente espeluznante, terrible, tremebundo y extraordinariamente bueno. Cine con entrañas, lección de cine, con vísceras, que te hace sentir con ojos autorales lo podrido que está el mundo que se vive en las cárceles francesas.

Un film dramático y punzante que, además, se resuelve como el mejor thriller clásico. Una maravilla.

Sheridan naufraga con «Brothers» y Greengrass aburre con «Green Zone»

La danesa Susanne Bier dirigió en 2004 «Brodre», un film seco como un trago de whisky y crudo, profundamente crudo, sobre dos hermanos enfrentados por una mujer. El primero es dado por muerto en la guerra y el segundo se acaba enamorando de la aparente viuda.

El remake de Jim Sheridan, «Brothers» es un ejercicio de no saber qué hacer con un buen material. El problema es que en América todo se dulcifica y quedarse a medias con esta historia es tirarla a la basura.

El film danés era tremendo en la visceralidad de las relaciones familiares (habitual en ese tipo de cine) y el americano un intento de explicar algo fuerte sin que nadie se haga daño. Erróneo casting (los chicos deberían intercambiar sus papeles), mala dirección, romísima, y la sensación de que no te está explicando nada.

Paul Greengrass es, quizá, el mejor director de acción actual, con su típica cámara al hombro siguiendo a Matt Damon. Es brillante el inglés (buenos ejemplos son la soberbia «Bloody Sunday» o «United 93»)pero en «Green Zone» no consigue quitarte la sensación de estar viendo otra película sobre Bourne. Si le añades que el misterio ya conoces como se resuelve, el camino que te marca es el del aburrimiento. Eficaz sí pero con «dejà vu».

Penosa «Furia de Titanes»

Película que huele a sobaco de machos en acción, «Furia de Titanes» es una actualización al 3-D y a la supuesta falta de inteligencia del público comercial, de un clásico entrañable. Resulta desalentador comprobar cómo el cine actual no es capaz de mejorar, teniendo la técnica a su favor, películas que se hacían con más artesanía que medios en décadas anteriores.

El film, dirigido por Louis Leterrier, es una vulgarización de la historia hasta convertirla en un film con tres escenas mal explicadas, personajes insípidos, diálogos sonrojantes y regusto a film de chulos en faldas. Lamentable, muy lamentable.

«Cómo entrenar a tu dragón» o una sorpresa encantadora

Y, para acabar, un apunte rápido. «Cómo entrenar a tu dragón» no sólo está bien animada, sino que es un film con encanto, con ternura y con buenos logros que consiguen refrescar una historia clásica con buenos diálogos y un personaje principal estupendo. Bonita, incluso, en su mensaje.

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